Nunzio Franco Pascarella de Capoa

Los orígenes y la infancia junto al Bósforo

Nasco a Campobasso il 4 giugno 1930 da Antonio Pascarella e Giovanna dei Conti de Capoa.

Mio padre era un architetto che aveva vinto alcuni concorsi nazionali di architettura, fra i quali quello per la Borsa di Torino. Dopo aver insegnato in un Liceo Scientifico di Gorizia, avendo vinto un concorso al Ministero degli Esteri, fu inviato a insegnare presso il Liceo Italo-Turco di Istanbul e a tenere corsi di Storia dell’Architettura presso la facoltà di Architettura di quella stessa città. Così ho vissuto, prima dell’ultima guerra, gli ultimi bagliori della Belle Epoque, che arrivavano sulle rive del Bosforo con l’Orient-Express. Ho ancora nelle narici gli odori delle spezie mescolati ai profumi dei giardini e alla salsedine, e negli occhi i fondali d’oro dei mosaici bizantini, le tavolozze vellutate dei tappeti anatolici, i prodigiosi spazi delle architetture bizantine e turche.

Era il 1936, avevo sei anni e iniziavo prima con la mia famiglia e dopo per conto mio, una vita di viaggi e di lavoro in quattro Continenti durata mezzo secolo. Nell’ottobre 1943, la guerra bloccò a Marostica nel Veneto la mia famiglia. Mio padre come a volerci proteggere dalla violenza della guerra, iniziò mia sorella e me alla pittura. Il mio primo quadro fu un insieme di frutti raccolti in un piatto d’argento. Mia sorella disegnava meglio di me; aveva una volontà feroce e per amore di nostro padre, voleva dimostrargli quanto fosse brava a seguire i suoi insegnamenti. Dopo poche nature morte mi dedicai subito al paesaggio, copiando un paio di cartoline di montagna e poi, iniziai a dipingere dal vero.

Nel 43, in una terza media fatta tra treni, biciclette e grandi camminate per andare a scuola a Bassano del Grappa, sotto i bombardamenti americani e nelle traversie della guerriglia partigiana, avevo una professoressa d’italiano, la Cuman Pertile, che era anche una scrittrice di libri per giovani il cui insegnamento appassionato, anche se pesantemente cattolico, mi diede amore per la letteratura. Il primo paesaggio lo regalai a una mia coetanea che era fuggita da Milano per evitare i bombardamenti. Era un tipo esile e molto bella ed io lavorai due giorni per dipingere quel paesaggio sperando che gli piacesse. Invece fu contenta e io presi coscienza di poter tentare lavori più impegnativi.

Mio padre è stato per me il mio unico e vero maestro; m’insegnò le proiezioni, la prospettiva, la teoria delle ombre; a passare ad inchiostro i suoi progetti, tutte le tecniche della pittura, il nudo disegnato, e non tralasciava mai di parlarmi dei grandi Maestri dell’arte italiana che ho iniziato a conoscere ed amare attraverso le sue parole.

La formación y los primeros proyectos

Gli ultimi anni di guerra, malgrado le privazioni di ogni genere, furono vissuti con lo slancio dei miei quattordici anni, fra chilometri di pattini a rotelle, grandi nuotate tuffi nel Brenta e plurimi amori con le compagne di scuola che si davano gioiose, come per opporre un fruscio di vita agli orrori della guerra. I primi mesi della liberazione furono assai duri per la nostra famiglia. Per questa ragione mia sorella ed io fummo costretti ad andare a lavorare in una fabbrica di ceramiche di Marostica. Lavoravamo a decorare piatti e vasi e in questo lavoro di operai decoratori ci fu molto utile l’insegnamento che avevamo ricevuto da nostro padre.

Nella necessità di dover guadagnare per vivere, diventammo tutti e due molto veloci a dipingere e questa velocità di esecuzione l’ho poi conservata per tutta la vita. Ho frequentato il Liceo Scientifico di Benevento e poi mi diplomai al Liceo Artistico dell’Accademia di Belle Arti di Napoli, iscrivendomi in seguito a Napoli alla Facoltà di Architettura. A Benevento soffrivo molto la chiusura provinciale della cultura di quella città. Spesso marinavo la scuola, un po’ perché soffrivo quei programmi anchilosanti, un po’ perché desideravo vivere una vita più fantasiosa e inebriante. Nello sport ho fatto scherma, pattini a rotelle, nuoto, vela e basket dove a Benevento, con un gruppo affiatato e allegro di amici portammo la squadra in serie A.

Nella scherma eccellevo nel fioretto dove in un torneo giovanile mi classificai secondo e subito dopo, con mia grande sorpresa vinsi il torneo di Istanbul, finale del campionato turco di scherma. Quando a Istanbul andavo a lezioni di scherma, mi fermavo per strada alla Libreria Hachette; prima acquistavo album di fumetti, poi iniziai a comprare romanzi francesi per adulti. Scoprii scrittori come Rimbaud, Baudelaire, Apollinaire, Eluard... che accesero la mia adolescenza e la mia curiosità per la letteratura. Queste letture mi avevano molto maturato e nello stesso tempo immerso in una angoscia esistenziale.

Poi, negli anni del Liceo fuggivo la scuola e andavo per intere giornate a rifugiarmi nella Biblioteca attigua alla chiesa di Santa Sofia a leggere di tutto; questo luogo mitigava il mio dolore di vivere. Mi abbonai alla Fiera Letteraria per informarmi delle vicende della letteratura e dell’arte. Ecco la sostanza culturale che ha fatto da basamento alla mia arte nasceva essenzialmente dai libri, anche se e ne ero edotto, la mancanza di un ambiente sollecitante, era amaro per i ritardi culturali che avrei dovuto registrare nella mia esperienza artistica. Avevo intanto l’esigenza di avere qualche lira in tasca ma mi seccava dipendere da mio padre il quale in verità era sempre straordinariamente generoso nei miei confronti.

Così iniziai a dipingere cartelloni per le vetrine dei negozi e in seguito partecipando a dei Concorsi nazionali per manifesti pubblicitari, vinsi tre primi premi prima dei diciotto anni. Intanto durante il primo anno alla facoltà di architettura, progettai e realizzai il mio primo lavoro; la Gioielleria Longo a Benevento. Questo negozio costruito con poca spesa, è stato per un ventennio la bottega più bella di quella città.

Nel Sannio avevo conosciuto e visto le opere di Nicola Ciletti, nobile pittore che aveva vissuto anche in America e in Francia; avevo anche seguito in alcune scorribande paesaggistiche a Campobasso, Amedeo Trivisonno uno dei grandi affreschisti italiani del secolo XX°, e lo avevo seguito anche sulle impalcature della Chiesa di San Filippo Neri a Benevento, dove il Maestro dipingeva degli affreschi, ed ero diventato amico del poeta dell’espressionismo molisano Marcello Scarano. Tre pittori carismatici questi, capaci ognuno d’insegnarmi qualcosa o meglio a cui potevo rubare qualcosa. Dipingevo, e siccome nelle mie pitture avevo incontrato tutti gli ismi del secolo, per comprenderli meglio non mi restava che fare del Cubismo. del Futurismo, Surrealismo e via dicendo.

Esperienze che bruciai rapidamente. Qualche tempo dopo, mentre iniziavo la mia attività in architettura, entrai in contatto a Napoli con il pittore e ceramista franco-polacco Adolphe Banet. A Parigi dove si era rifugiato fuggendo dalla Russia dove aveva vissuto il primo periodo entusiasmante della rivoluzione Bolscevica accanto a Mayakosky e a tutti quegli artisti, poeti, scrittori, registi che avevano contribuito a fare dell’arte russa un polo di riferimento per l’arte europea, si era legato d’amicizia con Picasso, Braque, Matisse, Soutine, Chagall.

Una investigación personal, entre trazo y materia

Attraverso la sua cultura mi fu agevole comprendere alcune problematiche dell’arte contemporanea e chiarirmi quella speciale aurea che caratterizzava l’arte europea mediorientale, a volte mistica, a volte con caratteri di nostalgia per quanto di perduto affiorava nella memoria, tra raffinatezze di derivazione bizantina e echi della Secessione Viennese. Intanto gli studi di architettura aprivano al mio interesse altre problematiche che potevo riversare sulla pittura, dove il primo problema che dovetti affrontare, era quello del rapporto delle forme con lo spazio. Spesso ero irritato con me stesso perché sentivo di avere dei problemi ad esprimere dei contenuti nelle forme. Il tempo che passava mi angustiava e pensavo di essere in grave ritardo professionale come pittore.

Non avevo ancora esposto le mie opere, e pertanto non avendo avuto rapporti con la critica mi sentivo un po’ spaesato. Intensificai il mio rapporto con i libri d’arte e di critica e iniziai a paragonare i miei lavori, o piuttosto, la direzione che avevo loro impressa a quella dei maestri contemporanei. Questi anni di formazione erano i primi del dopo guerra tra il 46 e il 53, e il mondo che ruotava intorno all’arte, gallerie, riviste, mercato, si andava appena riorganizzando. In realtà ero troppo critico del mio lavoro, tra pittura e architettura che procedevano assieme secondo esigenze temporali pratiche. Spesso la mancanza di tempo m’impediva di dipingere e ne soffrivo addirittura sul piano fisico.

La mia prima personale avvenne nel 1954 a Benevento; avevo iniziato a dipingere a tredici anni e pertanto le opere che esponevo erano il compendio di dieci anni di pittura fra figurazione e astrazione. La mostra ebbe successo più di quanto avessi sperato e da quel momento presi coscienza che avrei potuto svincolarmi da ogni possibile influenza e iniziare la “mia ricerca”. In Marocco dopo un’intensa operosità in architettura e nel design in Italia, nel 1962, ero maturo affinché la pittura esplodesse in me senza più alcuna remora. È il 1964 ed espongo a Tangeri opere segniche e materiche.

I contenuti di queste opere provenivano dalla mia cultura letteraria: Joyce, Ezra Pound, Eluard, Apollinaire, Garcia Lorca, gli scrittori americani, i saggi critici sulla Dodecafonia che m’interessava molto in quanto sentivo che sul piano del linguaggio vi erano analogie di composizione mentale con le mie opere, e le riflessioni sulle lezioni di estetica di Roberto Pane alla facoltà di architettura, e anche la mia visione politica insofferente a ogni tipo d’oppressione.

In queste opere introducevo per la prima volta nel colore sabbia, detriti di conchiglie, scaglie di sughero, scagliola, residui lignei, colori in polvere, dando origine a una mia personalissima tecnica, che soprattutto era alchemicamente espressione della mia personalità. Per la prima volta avevo la possibilità di rappresentare con una tecnica mirata e congeniale, le istanze culturali che volevo esprimere; il risultato era di opere fresche, misteriose, emananti un’interna energia e che ponevano la mia pittura in un contesto che univa il segnico, l’informale e l’action painting.

In quegli anni ero molto isolato ma affascinato dall’architettura maghrebina sulla quale scrissi un testo “Architettura spontanea del Marocco”. I pochi riferimenti che occasionalmente avevo in Africa, erano gli artisti europei e americani che toccavano tangenzialmente il Marocco nei loro itinerari. Era poco, ma sufficiente a non farmi sentire totalmente isolato dalla cultura artistica internazionale. Con le opere degli anni 60 avevo capito l’importanza della materia!

Buenos Aires y el encuentro con las vanguardias

Tra gli anni 68 e 75 la mia pittura ebbe un rallentamento a vantaggio dell’architettura dove a Napoli e in Provincia avevo realizzato diversi progetti di architettura degli interni e Design. Dopo mi trasferii a Verona e subito dopo a Istanbul dove scrissi il saggio critico “Ipotesi per un’architettura gestuale” e “Le case turche in legno”. Nel 75 arrivando a Buenos Aires, pur in un Paese stravolto dalla guerra civile, ritrovo gli stimoli per la pittura, nel contesto dell’arte argentina e delle sue contraddizioni che perseguiva le sue perdute radici europee essendo nello stesso tempo attratta dall’arte nord americana.

L’amicizia con il Gruppo dei “Los Geometricos” guidati da Carlos Espartaco e con il gruppo di “Tredici di Buenos Aires” legati alla figura carismatica di Jorge Glusberg, anima intellettuale e vero simbolo del CAYC ( il Pompidou argentino...) e con Juan Del Prete, il Maestro italo argentino del Gruppo “Abstraction” di Parigi, che per primo aveva importato l’arte astratta in quel continente meridionale, mi indusse a inoltrare la mia pittura verso nuove aree di ricerca e a pensare che un ritorno alla “pittura-pittura”, dopo “ la morte dell’arte”,potesse innescare un nuovo motivo per me di gioiosa creatività.

In questo periodo divenni amico del più importante pittore astratto di Buenos Aires Ari Brizzi, e di Mercedes Esteves, una brava artista dei “Geometricos”. Questo sodalizio con gli artisti della avanguardia argentina che ci trascinava da un atelier all’altro, entro le tragiche notti di Buenos Aires, tra il 75 e il 79, era punteggiato da uno scambio culturale, andata e ritorno con gli argentini.

Questo periodo argentino è stato importante per la mia arte, perché essendo costretto dal mio lavoro parallelo di Addetto Culturale a tenere conferenze sull’arte italiana in ogni luogo di quel Paese, stanco di dover parlare delle grandi figure dell’arte italiana, a un certo momento mi misi ad elaborare una critica grafica, estrapolata da quella applicata in architettura, applicata alle opere che andavo commentando, per rendere quelle opere più interessanti a me stesso che agli ascoltatori. Pertanto questo diveniva per me un’esigenza di studio che mi consentiva di elaborare una metodica critica alla pittura, che applicata anche alle mie opere, mi aprì una vasta area di ricerca che poi negli anni 80 a Parigi, avrebbe dato luogo alla Teoria delle Pulsio Art.

París y el nacimiento de la Pulsio Art

A Parigi mi resi subito conto che dopo aver girato quattro Continenti, non solo non trovavo particolari novità artistiche, ma che infine il livello della qualità dell’arte che andavo esplorando fra gallerie e visite agli studi degli artisti, era in una congiuntura negativa che non poteva darmi niente. Anzi vivendo a contatto con artisti italiani e stranieri, mi resi conto che il livello della loro ricerca era esiziale. Questo rafforzò in senso positivo l’urgenza della mia ricerca personale.

Certamente l’esperienza parallela che portavo avanti nell’architettura e nel Design, con le intrusioni di saggi critici sull’arte e sulla fotografia e la mia stessa esperienza poetica che si andava affinando con la maturità, avevano il loro peso nel riversare sulla pittura le diverse problematiche, arricchendola di attributi di non diretta pertinenza della pittura. Nel 1980 arrivato a Parigi, avevo intensificato gli studi per la mia Teoria della Pulsio Art. Le ipotesi che avevo intraviste in Argentina, si manifestavano ogni giorno di più al mio interesse sollecitandomi di verificare nello stesso tempo nella prassi pittorica, la validità delle tesi teoriche.

Il mio lavoro, basato su ipotesi della fisica delle particelle sub atomiche, applicate alle superfici dei “campi pittorici”, sfociò nel 1987 nel Manifesto teoria della Pulsio Art che fu pubblicato a cura del Museo di Verviers in Belgio, in occasione di una mia personale con gli auspici del Ministero della Cultura Belga in quel Museo.

A Parigi dagli anni 80 fino al 1993, nell’area della Pulsio, avevo dipinto delle tematiche a cicli, e cioè “I troni del silenzio”, “Alchimia”, “Saturnalia”, “De Sacra rerum”, “Archeologia di me stesso”, “Le tombe di Spoon River”, “Le città impossibili”, “Le opere erotiche”, “Le lettere di Lesbia”, “I concerti per Borromini”, “Le astrazioni Pulsio”, e poi le opere geometriche nell’ambito “della geometria a visibilità sussultoria”, e le opere del ciclo “dell’Espansione Organica”, e infine le opere legate al ciclo “le Reticolari”, dove entro la Pulsio, esprimevo una sintesi della Geometria sussultoria e dell’Espansione Organica”.

Con questo ultimo ciclo di opere sono convinto di aver espresso la Pulsio e le sue derivazioni con un’applicazione materica veramente rappresentativa della mia Teoria.

Los maestros italianos de París

A Parigi, nell’ambito della storica e nobile Association des peintres, sculpteurs et graveurs italiens de France”, che aveva annoverato tra i suoi soci, Modigliani, Severini, Viani, Tozzi, Paresce, De Pisis, e altri importanti artisti, e tra i soci più recenti Adami, Music, Cremonini, Boni, Sivestri ed altri, inizio un periodo di attività sociale e artistica che nel 1989, mi porta ad essere eletto Presidente di quella gloriosa e storica, per l’arte italiana all’estero, Associazione.

Mi resi conto che bisognava riallacciare il filo della presenza dell’arte italiana in Francia, che era andata perduta nella diaspora della seconda guerra mondiale; artisti fuggiti, trasferiti per forza maggiore, deceduti di quella generazione che avevano potuto portare nel 38 alla Biennale di Venezia il contributo della loro arte internazionalizzatasi nel confronto con la cultura francese.

La mia Presidenza è punteggiata da importanti collettive: alla “Voix du Nord” a Lille, all’”Istituto Italiano di Cultura” a Parigi, a Viareggio con l’omaggio a Lorenzo Viani”, in “Convergenze parallele” a Villejuif”, in “Area sezione aurea” a Le Mans, alla Salle Lutethia a Parigi, a Parigi al salone de “L’arte de l’imobilier, con “L’Italie la figuration au pluriel”, al Drouot Moinagne di Parigi con “Pittori e scultori italiani di Parigi”, “Alchimia” a Jarny, e la “Grimaise napolitaine” al Museo de la Seita a Parigi, e infine con esposizione e Convegno sull’arte italiana in Francia al “Centre George Pompidou” di Parigi.

Queste collettive rappresentavano la mia determinazione di storicizzare il lavoro dei Maestri italiani di Parigi, dal dopo guerra ai nostri giorni, come l’area di una cultura europea ante litteram, prodotta nell’osmosi fra la cultura artistica francese e quella italiana. Ogni esposizione collettiva è stata accompagnata dai miei saggi critici pubblicati sulla Rivista “Le langue Neo. Latine” edita dall’Università La Sorbonne di Parigi. Jean –Luc Chalumeau, il noto critico francese, a proposito dell’area italiana di Parigi, poteva concludere che, “Dopo un periodo di sonno relativo, la loro Associazione permette di rivederli riuniti e affermanti con forza la loro presenza. Bisogna gioirsene.

L’arte non vive che di “metissage”, e quello che alleò l’arte della Francia a quello dell’Italia fu fra quelli più fecondi della storia dell’umanità”.

Arquitectura, diseño y escritura

Durante la mia attività professionale, una notevolissima importanza ha avuto il Design. Ho progettato teatri, cinema, negozi, case private, mobili; nel 1988 la Rivista parigina Cimaise ha dedicato un intero supplemento al mio design e la documentazione del mio lavoro di Architettura degli interni è conservato presso l’archivio del Centro di documentazione del Industrial Design del Centro Pompidou di Parigi. Ho progettato a Parigi la casa di F.Toma pubblicata sulla rivista “Ambiente e società”, e quella di Kathy Meyer; in quest’ultima ho ricercato una sottile integrazione fra architettura degli interni e Pulsio Art, cercando vibrazioni luministiche ai soffitti e sui mobili, con luci provenienti anche dai bateaux mouches naviganti di notte sulla Senna.

Sia a Buenos Aires che a Parigi, la frequentazione e amicizia con fotografi d’avanguardia, m’indussero ad occuparmi criticamente del loro lavoro. Accanto ad Architettura, pittura e Design, la mia creatività si è espressa anche in lavori letterari che a latere, hanno riempito spazi delle mie esigenze creative. In questo ambito diverse mie composizioni poetiche sono state pubblicate sulla Rivista del Pen Club de France “Oriflamme”. Ho scritto diversi romanzi: Delirium, I giorni della Luna nel Brenta, Porto Lesbico, Le donne di Porto Lesbico, Il pazzo del grattacielo e diversi saggi critici tra cui “Ipotesi per una architettura gestuale”, “Le case turche in legno”, “L’architettura spontanea in Marocco”.

Sono stato Addetto e Direttore di Istituti Italiani di Cultura fra il 1975 e il 1993; in questo ambito a Buenos Aires ho sperimentato la forza propulsiva dell’impegno culturale entro l’abbandonata e dimenticata emigrazione italiana d’Argentina, aggregando 50.000 molisani in una grande Federazione l’Urama che ho diretto con la creatività di un artista, facendo rinascere in loro, la coscienza di una appartenenza italiana perduta. Per il Ministero degli Esteri ho progettato la Biblioteca della Dante Alighieri di Tangeri, il Padiglione B dell’Ospedale italiano di Istanbul, il campo sportivo del Liceo italiano di Istanbul, il Padiglione italiano alla Fiera del libro di Buenos Aires premiato con il primo premio.